Memento Mori

Instantes...

2012-01-09T23:11:00.003Z

'The Nightmare' by Henry Fuseli, 1781.

[...] Porque lo bello es lo que se coge en el momento en que ocurre. Es la configuración efímera de las cosas en el momento en que uno ve al mismo tiempo la belleza y la muerte.
¡Ay! me he dicho, ¿quiere decir ésto qué así es como uno tiene que vivir su vida?
¿Siempre en equilibrio entre la belleza y la muerte? el movimiento y la desaparición?
Quizá estar vivo sea esto: perseguir instantes que mueren.[...]

Fragmento de 'La Elegancia del Erizo' Pag. 306.

Miroslav Tichý

2012-01-02T22:55:00.005Z

“Si quieres ser famoso, tienes que hacer lo que sea que hagas, peor que todos los demás en el mundo”. Miroslav Tichý. Por: Roman Buxbaum, 1986.

Aëla Labbé

2011-12-02T20:21:00.004Z

Portfolio

Liza Corbett

2011-11-26T21:33:00.005Z

Portfolio

Juan Crisostomo Mendez Avalos

2011-11-08T21:25:00.004Z

[...]Este Crisóstomo Méndez, nacido y muerto en Puebla, es el que con las retinas en las rendijas de algún hotel, vio aquella habitación desnuda, y en ella una cama de latón, un mundo sin nada para agentes viajeros, rápidos placeres mercenarios y largas toses agónicas, un mundo ciego que nos mira desde el ojo frío de aquella mujer que oculta el rostro y se atrinchera en sí misma.

*Fuente: Luna Córnea, núm. 4, 1994, 136 pp.

Deborah Morbeto

2011-11-08T12:58:00.003Z

Deborah Morbeto (Self-Portrait)

Portfolio

Imposibilidad...

2011-11-04T16:10:00.006Z

Qué fácil callar, ser serena y objetiva con los seres que no me interesan verdaderamente, a cuyo amor o amistad no aspiro. Soy entonces calma, cautelosa, perfecta dueña de mí misma. Pero con los poquísimos seres que me interesan… Allí está la cuestión absurda: soy una convulsión. De allí proviene mi imposibilidad absoluta para sustentar mi amistad con alguien mediante una comunicación profunda y armoniosa. Tanto me doy, me fatigo, me arrastro y me desgasto que no veo que instante de liberarme de esa prisión tan querida. Y si no llega mi propio cansancio, llega el del otro, hastiado ya de tanta exaltación y presunta genialidad, y se va en busca de alguien que es como soy yo con la gente que no me interesa.

Alejandra Pizarnik. (Diarios)

Curtis Moffat

2011-11-04T14:31:00.006Z

Cecil Beaton by Curtis Moffat (1930)

Curtis Moffat (1887-1949 ) fué un fotógrafo originario de Nueva York, se mudó a Londres a finales de los años 20 y abrió una sala de exposiciones que se centró en el "arte ultra moderno", la decoración de interiores, algunos de los cuales él mismo diseñó. Curtis en sus primeros años de juventud, se había dedicado a la pintura, pero fué la fotografía la que le atrapó fuertemente durante los años veinte y treinta. Entre las muchas influencias artísticas surrealistas, había una relación muy estrecha con Man Ray, con quien colaboró en París intercambiando ideas, estilos e instalaciones. Curtis Moffat era un hombre que se esforzaba demasiado en lograr los efectos que buscaba en su trabajo fotográfico, constantemente innovando y experimentando con nuevas formas y técnicas. Muchas de sus obras consisten en naturaleza muerta (bodegones) y retratos en blanco y negro, pero su verdadera innovación radica en el uso de tres colores pigmento de impresión de gelatina. Factum Arte fué una gran ayuda para la documentación y difusión del trabajo no muy conocido de Curtis Moffat.

Un retrato de Nancy Cunard tomado en 1925 por Moffat ha sido publicado en una edición de 20 ejemplares, como una impresión de platino del negativo original por Factum Arte, junto con 31 Studio. La imagen se presenta en una caja de Solander junto con un facsímil de un poema escrito por la mencionada activista. Factum Arte también ha producido varias otras obras de Moffat, incluyendo una 'rayograph' de tres colores para ampliar la obra del artista, pero aún éstos no han sido publicados comercialmente.

A los enmudecidos...

2011-10-19T17:35:00.010+01:00

Ah, la locura de la gran ciudad cuando al anochecer,
junto a los negros muros, se levantan los árboles deformes
y a través de la máscara de plata se asoma el genio del mal;
la luz con látigos que atraen ahuyenta pétrea noche.
Oh, el hundido repique de las campanas del crepúsculo.

Ramera que entre escalofríos alumbra una criatura
muerta. La ira de dios con rabia azota la frente de los poseídos,
epidemia purpúrea, hambre que rompe verdes ojos.
Ah, la odiosa carcajada del oro.

Pero una humanidad más silenciosa sangra en oscura cueva
forjando con metales duros el rostro redentor.

Texto: Georg Trakl
Imágen: Jeff Louviere and Vanessa Brown

Los cuadernos de Malte Laurids Brigge (fragmento)

2011-10-09T15:53:00.004+01:00

"No puedo dormir sin la ventana abierta. Los tranvías ruedan estrepitosamente a través de mi habitación. Los autos pasan por encima de mí. Suena una puerta. En algún sitio cae un vidrio chasqueando. Oigo la risa de los trozos grandes de cristal y la leve risilla de las esquirlas. Después, de pronto, un ruido sordo, ahogado, al otro lado, en el interior de la casa. Alguien sube la escalera. Se acerca, se acerca sin detenerse. Esta ahí, mucho tiempo ahí, pasa. Otra vez la calle. Una chica grita: "Ah! tais toi, je ne veux plus!" El tranvía eléctrico acude, todo agitado, pasa por encima, más allá de todo. Alguien llama. Hay gentes que corren, se agolpan. Un perro ladra. ¡Qué alivio! Un perro. Hacia la madrugada hay hasta un gallo que canta, y es una infinita delicia. Después, de pronto, me duermo. Hay más ruidos. Pero hay algo aún más terrible: el silencio. Creo que en los grandes incendios sobreviene a veces un momento de máxima tensión: los chorros de agua declinan; los bomberos no trepan ya; nadie se mueve. Silenciosamente, una negra cornisa se desprende desde arriba, y un alto muro, tras del que salen las llamas, se inclina sin ruido hacia adelante. Todo está inmóvil y espera, encogidos los hombros y juntas las cejas, el tremendo desplome. Así es aquí el silencio. Aprendo a ver. No sé por qué, todo penetra en mí más profundamente, y no permanece donde, hasta ahora, todo terminaba siempre. Tengo un interior que ignoraba. Así es desde ahora. No sé lo que pasa. "

Rainer María Rilke

Thomas Devaux

2011-10-09T15:34:00.006+01:00

Portfolio

¡Le Donne al Potere!

2011-10-01T16:49:00.008+01:00

Liliana Moro

Cindy Sherman

Liliana Moro

Birgit Jürgenssen

Annegret Soltau

Renate Bertlmann

Birgit Jürgenssen

Annegret Soltau

Renate Bertlmann

Annegret Soltau

Renate Bertlmann

Birgit Jürgenssen

Annegret Soltau

Birgit Jürgenssen

Renate Bertlmann

Valie Export

2011-09-30T18:51:00.011+01:00

''Export significa siempre y en todas partes, significa que me exporto'', declaró Valie Export en una entrevista en 1996. ''Lo decidí cuando comencé con mi labor artística, hacia 1967. Pensé sobre mi nombre, y pensé que no quería tener el nombre de mi padre, que no quería tener el nombre de mi marido, quería tener mi propio nombre. Así que elegí "Export" porque quería exportar mis ideas, salir de mi misma, y "Valie" era un mote. Así que con mi mote y con "Export" (de exportar mis ideas) me inventé mi nombre.”

En 1967 decidió pasar entonces de llamarse: Waltraud Lehner, y Waltraud Hollinger( por el apellido de su marido) a ser VALIE EXPORT.
Ésta artista australiana nació en Linz, el 17 de mayo de 1940. Su trabajo incluye video-instalaciones, performances, expanded cinema, animaciones por ordenador, fotografía, esculturas, y algunas publicaciones sobre arte contemporáneo.

La obra de los años sesenta de Valie nació del transfondo del accionismo vienés, pero insistía también en sus propia y discreta identidad. Al igual que los artistas vieneses como Günter Brus, Otto Mühl, o Herman Nitsch, Valie utilizaba a menudo su cuerpo (su ser) como tema y punto de partida de su obra; y al igual que los accionistas, intentaba superar los límites impuestos por los tabúes y enfrentarse a un público de clase media, qué después de la 2da Guerra Mundial, había vuelto rápidamente a la 'vida normal'. No obstante, las acciones, performances, fotografías y vídeos de Valie Export, se diferenciaban del accionismo vienés en dos aspectos fundamentales: en primer lugar eran categóricamente feministas y destruían las imágenes de las mujeres que había impuesto una sociedad dominaba por hombres. De ahí que Valie definiese sus heridas autoinfligidas como en la película 'Remote, Remote' del 73, en la que se laceró las yemas de los dedos con unas tijeras, no como la expresión de un impulso masoquista individual, sino desde su punto de vista: ''como signos de la historia, descubiertos en acciones relacionadas con el cuerpo''.

Del mismo modo, con la liga que se tatuó en la parte superior del muslo izquierdo en (Body Sign Action, 1970) donde pretendía convertirse en símbolo de la esclavitud pasada. En segundo lugar, sin embargo, la producción artística de Export desde el comienzo, debía ser una crítica a los medios de comunicación. Nunca consideró la fotografía, la película o el vídeo como elementos neutrales o documentales.

En su texto: 'Mediale Anagramme' de 1990, describió su trabajo como 'cuadernos, en los que las páginas, notas o imágenes se cambian repetidas veces a distintas relaciones y nuevos significados haciendo posible un nuevo concepto''.

Toda su obra entonces, puede decirse que está impregnada de interés por el psicoanálisis, el lenguaje y el vacío existente entre las representaciones mediáticas y la realidad. Con gran audacia y cierto sentido del humor busca demostrar el sin sentido de las identidades impuestas por los medios de masas y la tradición.

Su performance titulada: Aktionshose: Genitalpanik,1969, fué aún más radical, pues se paseó por las filas de un cine porno con aspecto entre revolucionario y provocador, metralleta en mano y vestida con unos pantalones vaqueros abiertos a la altura de los genitales (1º foto), amenazando tanto física como psicológicamente por el arma y por el 'cambio ontológico' lo que provocó la desbandada de la sala de muchos espectadores. Esta acción es una metáfora sobre el discurso feminista de autoafirmación de la diferencia con evidentes referencias críticas a la teoría freudiana sobre el complejo de castración. Blandiendo el símbolo fálico del arma destructiva, Valie Export asumía un rol activo y de verdadero poder, mostrando la propia naturaleza de la diferencia sexual. Al mismo tiempo, al exponer su sexo a la vista del público, la artista oponía la realidad de su cuerpo a la representación cinematográfica, convencionalmente ligada a una imagen de la mujer estática, pasiva y convencional.

“De alguna manera me enteré por revistas y periódicos que existía algo llamado feminismo, en concreto por medio de revistas americanas. En Europa realmente no existía, pero surgió con el movimiento estudiantil: el pensar sobre lo que significaba ser una estudiante, y también ser madre, tener o no una familia. Me puse a trabajar sobre la manera en que la Historia del Arte muestra los comportamientos femeninos, en cómo trata a las mujeres o los temas femeninos. A través de ello pude hacer que mi arte llevase un mensaje social” como explica ella misma en una entrevista firmada por Sibley Labandeira y Laura Doñate.

Existen 2 documentos a destacar bastante interesantes:

*Sehetext: Fingergedicht (“Texto visual: poema digital”), 1973Video, b/n, 1 min. 50 seg.

*Hauchtext: Liebesgedicht (“Texto de aliento: poema de amor”), 1973
Video, b/n, 3 min.

Y aquí varios fragmentos de Adjungierte Dislokationen, 1973.

+ Info sobre instalaciones, fotografías, etc: AQUÍ

Fuentes: ''Mujeres Artistas de los siglos XX y XXI'' (editorial Taschen), y 'La vida no imita al arte', 2009.

Premios Bitácoras 2011

2011-09-12T21:15:00.005+01:00

Hola queridos Lectores y Lectoras, Memento Mori se complace en comunicarles que es partícipe del Premio Bitácoras 2011, (categoría: Mejor Blog Personal, subcategoria: Mejor Blog Cultural)
Así que, a todos los que me siguen y a los que no también, pero les gusta éste blog, me gustaría que me diesen su voto entrando en el link del botón de abajo, si os pone 'validar en el sistema' sólo hay que entrar utilizando la cuenta de facebook, twitter o la de bitácoras.com.

¡Si éste blog sigue en píe, es por ustedes!
Muchas gracias.

Stephen Mackey

2011-09-12T11:17:00.006+01:00

Portfolio

Katarzyna Widmanska

2011-09-08T12:18:00.006+01:00

Portfolio

Mirar sin ver, y luego acostumbrarse a la nada...

2011-09-07T17:34:00.005+01:00

22 de julio.

Miro largo rato a los seres y a las cosas, antes de verlos;
después me acostumbro a su presencia
y desaparecen sin hacer ruido...

(Edmond Jabés, 1912-1991)
Extraído de (Diario de Sara I)

*Fotografía:
Harriet Bosse en una obra de August Strindberg ( Theatre in Stockholm, 1900).

''Ilustraciones fotográficas de la enfermedad de la piel (1880)''

2011-09-07T16:46:00.009+01:00

Éstas son ilustraciones fotográficas de la enfermedad de la piel tomadas de los estudios de casos y notas de George Henry Fox (1846-1937), uno de los dermatólogos pioneros en América más importantes e influyentes en éste campo de la medicina, el cual también fué un brillante escritor, médico y maestro cuya obra influyó en generaciones.

Sostuvo que "el estudio de las enfermedades de la piel sin casos o placas de color es como el estudio de la osteología, sin huesos, o el estudio de la geografía sin mapas." Él, por lo tanto, comenzó a mandar a fotografiar a sus pacientes en un estudio de Nueva York por O.G Mason, el fotógrafo médico en el Hospital 'Bellevue'.
Estas fotografías que compartía con otros médicos de la época, finalmente se publicaron como 'ilustraciones fotográficas de la enfermedad de la piel' (1880) junto con otros muchas de casos variados de enfermedades de la misma.

Las imágenes de estos volúmenes fueron impresos por Edward Bierstadt como Artotypos, un proceso de fotomecánica también conocido como colotipia o fototipia, luego fueron cuidadosamente e individualmente coloreadas a mano por el artista vienés y médico Dr. Joseph Gaertner. Los Libros de Fox son y han sido tan importantes para la historia de la fotografía en cuanto a la historia de la medicina; estos libros están impregandos de una nobleza y belleza únicas, y esto se debe posiblemente al hecho de que el fotógrafo, OG Mason, también fue un fotógrafo social, al igual que Jacob Riis y Lewis Hine, e ilustró la obra de uno de los principales reformadores sociales del siglo, Helen Campbell.

No todas las imágenes fueron hechas por Mason, pero lo mayoría de ellas, especialmente las de los hechos de los pacientes 'Bellevue', son suyas. Hoy en día ya no son simplemente documentos clínicos, son documentos gráficos del espíritu, de la resistencia y del sufrimiento.

Bodil Frendberg

2011-09-07T16:33:00.004+01:00

Portfolio

Tamas Dobos

2011-08-17T14:12:00.006+01:00

http://tamasdobos.com

Fisura

2011-07-31T17:11:00.006+01:00

Toda vida es un proceso de demolición, por supuesto, pero los efectos de los golpes que hacen la parte dramática del trabajo -los grandes golpes súbitos que vienen o parecen venir de fuera, los que uno recuerda, los que carga con las culpas, los que en momentos de debilidad les cuenta a los amigos- no se muestran en el acto. Hay otra clase de golpe que viene de dentro, que no se siente hasta que ya es tarde para tomar alguna medida, hasta que uno entiende irrevocablemente que en algunos aspectos nunca volverá a ser tan buen hombre como antes. La primera clase de rotura da la impresión de suceder rápido; la segunda clase ocurre casi sin que uno sepa, pero se hace consciente bien de repente.

Extraído de ''The Crack-Up"(ensayos e historias, 1945)
Francis Scott Fitzgerald (24 de sep. de 1896-21 de dic. 1940)

He aquí que tú estás sola y que estoy solo...

2011-07-30T18:19:00.005+01:00

He aquí que tú estás sola y que estoy solo.
Haces tus cosas diariamente y piensas
y yo pienso y recuerdo y estoy solo.
A la misma hora nos recordamos algo
y nos sufrimos. Como una droga mía y tuya
somos, y una locura celular nos recorre
y una sangre rebelde y sin cansancio.
Se me va a hacer llagas este cuerpo solo,
se me caerá la carne trozo a trozo.
Esto es lejía y muerte.
El corrosivo estar, el malestar
muriendo es nuestra muerte.

Ya no sé dónde estás. Yo ya he olvidado
quién eres, dónde estás, cómo te llamas.
Yo soy sólo una parte, sólo un brazo,
una mitad apenas, sólo un brazo.
Te recuerdo en mi boca y en mis manos.
Con mi lengua y mis ojos y mis manos
te sé, sabes a amor, a dulce amor, a carne,
a siembra , a flor, hueles a amor, a ti,
hueles a sal, sabes a sal, amor y a mí.

En mis labios te sé, te reconozco,
y giras y eres y miras incansable
y toda tú me suenas
dentro del corazón como mi sangre.
Te digo que estoy solo y que me faltas.
Nos faltamos, amor, y nos morimos
y nada haremos ya sino morirnos.
Esto lo sé, amor, esto sabemos.
Hoy y mañana, así, y cuando estemos
en nuestros brazos simples y cansados,
me faltarás, amor, nos faltaremos.

Jaime Sabines (25 de marzo de 1926 -19 de marzo de 1999)

Persona: nunca se está a salvo! nisiquiera de nosotros mismos.

2011-07-23T18:11:00.004+01:00

¿Crees que no lo entiendo? El sueño imposible de ser. No de parecer, sino de ser. Consciente en cada momento. Vigilante. Al mismo tiempo, el abismo entre lo que eres para los otros y para ti misma, el sentimiento de vértigo y el deseo constante de, al menos, estar expuesta, de ser analizada, diseccionada, quizás incluso aniquilada. Cada palabra una mentira, cada gesto una falsedad, cada sonrisa una mueca.

¿Suicidarse? ¡Oh, no! ¡Eso es horrible! Tú no harías eso. Pero puedes quedarte inmóvil y en silencio. Por lo menos así no mientes. Puedes encerrarte en ti misma, aislarte. Así no tendrás que desempeñar roles, ni poner caras ni falsos gestos. Piensas. Pero, ¿ves? La realidad es atravesada, tu escondite no es hermético.
La vida se cuela por todas partes. Estás obligada a reaccionar. Nadie pregunta si es real o irreal, si tú eres verdadera o falsa. La pregunta sólo importa en el teatro y casi ni siquiera allí. Te entiendo, Elisabeth. Entiendo que estés en silencio, que estés inmóvil, que hayas situado esta falta de voluntad en un sistema fantástico. Te entiendo y te admiro. Creo que deberías mantener este papel hasta que se agote, hasta que deje de ser interesante. Entonces podrás dejarlo. Igual que poco a poco fuiste dejando los demás papeles.

Jamie Baldridge

2011-07-23T17:46:00.004+01:00

Gallery

2011-07-09T16:56:00.003+01:00

Fotograma de 'Balançoires', Noël Renard, 1928.

''Lo importante es transformar la pasión en carácter''
Franz Kafka.

Albert-Joseph Pénot & Gabriel Ferrier

2011-07-09T16:26:00.008+01:00

'Moonlit Dreams'
Gabriel Ferrier 1847-1914

'Batwoman'
Albert-Joseph Pénot, 1862-1930.

'Salon Witch' Albert Joseph Pénot

Postcard, Albert Joseph Pénot

'Le Serpent' (Salammbô) Gabriel Ferrier, 1899

By Albert-Joseph Pénot

Hans Richter - Vormittagsspuk (1928)

2011-04-12T22:11:00.002+01:00

Pierre Jahan

2011-03-24T20:02:00.003Z

« J'ai tout le temps été fasciné par les jeux de la lumière - et du hasard. Comme tout ce qui est dans l'ombre, êtres et choses prennent alors une sorte de dérive proche du rêve, rêve ou cauchemar qui, de l'extase à la peur, entr'ouvent la porte de cette quatrième dimension dans laquelle, sans peut-être vraiment y croire, j'ai toujours vécu. C'est tout cela qui m'a, sans doute, conduit à la photographie »
Pierre Jahan.

Retrato

2011-03-07T15:03:00.002Z

Tu alma hecha de estiércol
no supera a la torpeza de tu cuerpo,
digno —en su inútil redondez—
del esfuerzo de cualquier escarabajo.
Cosa similar ocurre con tu cara
abarrotada de dinteles:
a leguas el viajero se distrae al ver
lo que tu frente anuncia con neones:
a kilómetros se nota
que eres un imbécil y lo ignoras,
acalambrado y ciego
por el puñal idiota de tu lengua.

Fabián Rivera
(Tuxtla Gutiérrez, Chiapas, Mexico; 1984)

Y de los replanteos...

2011-02-27T18:29:00.004Z

'der todesengel' by Kubin

Y de los replanteos
y recontradicciones
y reconsentimiento sin o con sentimiento cansado
y de los repropósitos
y de los reademanes y rediálogos idénticamente bostezables
y del revés y del derecho
y de las vueltas y revueltas y las marañas y recámaras y
remembranzas y remembranas de pegajosísimos labios
y de lo insípido y lo sípido de lo remucho a lo repoco y
lo remenos
recansado de los recodos y repliegues y recovecos y refrotes
de lo remanoseado y relamido hasta en sus más recónditos reductos
repletamente cansado de tanto retanteo y remasaje
y treta terca en tetas
y recomienzo erecto
y reconcubitedio
y reconcubicórneo sin remedio
y tara van en ansia de alta resonancia
y rato apenas nato ya árido tardo graso dromedario
y poro loco
y parco espasmo enano
y monstruo torvo sorbo del malogo y de lo pornodrástico
cansado hasta el estrabismo mismo de los huesos
de tanto error errante
y queja quena
y desatino tísico
y ufano urbano bípedo hidéfalo
escombro caminante
por vicio y sino y tipo y libido y oficio
recansadísimo
de tanta estanca remetáfora de la náusea
y de la revirgísima inocencia
y de los instintos perversitos
y de las ideitas reputitas
y de las ideonas reputonas
y de los reflujos y resacas de las resecas circunstancias
desde qué mares padres
y lunares mareas de resonancias huecas
y madres playas cálidas de hastío de alas calmas
sempiternísimamente archicansado
en todos los sentidos y contrasentidos de lo instintivo
o sensitivo tibio
o remeditativo o remetafísico y reartístico típico
y de los intimísimos remimos y recaricias de la lengua
y de sus regastados páramos vocablos y reconjugaciones y recópulas
y sus remuertas reglas y necrópolis de reputrefactas palabras
simplemente cansado del cansancio
del harto tenso extenso entrenamiento
al engusanamiento
y al silencio.

*Texto: Oliverio Girondo

*Ilustración: Alfred Leopold Isidor Kubin

Piero Roi

2010-12-06T17:15:00.003Z

Piero Roi

Walerian Borowczyk - 'Renaissance' (1963)

2010-12-02T19:21:00.005Z

Maura Sullivan

2010-12-01T17:11:00.004Z

Maura Sullivan

Josephine Sacabo

2010-11-30T13:17:00.003Z

Gallery

Pawel Piatek

2010-11-23T13:28:00.005Z

www.pawelpiatek.com

2010-11-20T20:13:00.005Z

'Susana y la Muerte', by Josephine Sacabo

"En algún punto perdido del Universo, cuyo resplandor se extiende a innumerables sistemas solares, hubo una vez un astro en el que unos animales inteligentes inventaron el conocimiento. Fue aquél instante el más mentiroso y arrogante de la historia universal"
Nietzsche.

Anja Miller

2010-11-17T20:07:00.005Z

Gallery

Eric Keller

2010-11-16T18:41:00.003Z

http://www.eric-keller.com

Otoño

2010-11-04T20:35:00.007Z

Oscurece.

El cielo agoniza públicamente en sus deseos lumínicos de acariciar de nuevo una estrella distante, aquél golpe rutilante de los días de agosto se ha desvanecido ya con los aullidos y murmullos de los Anemoi.

Puedo escuchar desde mi ventana los cánticos vehementes de Austro, y empieza a asomar en mis mejillas los colores del spleen y en mi alma, la amargura intrínseca de la atrabilis...

Ya está aquí!

Es la estación sórdida, ha llegado el otoño.

Fotografía y texto: Kafkiana (Luz Lugosi)

Didier Illouz

2010-11-04T20:15:00.005Z

Serie: "Any Males"

http://didierillouz.com/

Arthur Tress

2010-10-27T20:52:00.003+01:00

http://www.arthurtress.com/

Alexander Grinberg

2010-09-20T19:33:00.016+01:00

Alexander D. Grinberg (1885-1979) es uno de los fotógrafos rusos más respetados del siglo XX. Nacido a finales del siglo XIX, y habiendo vivido noventa y cuatro años, experimentó la revolución ruso, la guerra civil, dos guerras mundiales, la represión estalinista, junto con numerosas fluctuaciones en la historia política y cultural soviética. Ya de niño Grinberg demostraba una fuerte atracción hacia la fotografía, haciendo su primera foto con tan solo diez años.

A la edad de veintidós, fue un miembro activo de la sociedad rusa fotográfica, donde se convirtió en una fuerza creativa principal. En 1908 fue galardonado con la medalla de plata en la exposición de fotografías de toda Rusia en Moscú y la medalla de oro en la foto-exposición internacional en Dresden y que marcó el reconocimiento de su talento a nivel internacional.

En 1914 Grinberg fue invitado a trabajar en el estudio de cine Khanzhankov en Moscú. Se convertió en el jefe de las secciones de cine publicitario, y rápidamente se estableció el proceso para la distribución masiva y aquí comenzaria su carrera cinematográfica. Él estuvo a trabajar detrás de la cámara de numerosos estudios. En 1920' debido ya a su experiencia cinematográfica le llevó a convertirse en un instructor en el estado instituto técnico de la cinematografía, donde comenzó su asociación con Sergey Eisenstein.Su prestigio fue en aumento a lo largo de la década de 1920 hasta 1929 cuando, bajo la tormenta de la revolución cultural de la "vieja escuela" de la fotografía soviética fue criticado como "depravado", y Grinberg cayó en desgracia.

La nueva política cultural dictó que cualquier erotismo en las formas artísticas era un remanente del ocio burgués, e inadecuadas para la sociedad soviética, levantando una tormenta de críticas, así como provocando oleadas de manifestaciones de fotógrafos valientes para venir a la defensa de este maestro. En consecuencia, por su visión "poco ortodoxa" de la fotografía fue detenido y condenado a un campo de trabajo para la distribución de pornografía. En 1939 fue puesto en libertad condicional anticipada, por buena conducta y laboriosidad, aunque por el momento de su puesta en libertad que había perdido definitivamente su sentido del olfato. Volvió a trabajar como fotógrafo para una variedad de instituciones como los museos y profesor de fotografía.

Sus primeros trabajos no fueron destruidos como hubiera sucedido normalmente porque su hermano mayor logró esconder los negativos durante muchos años. Durante la Segunda Guerra Mundial trabajó para preservar y restaurar archivos fotografícos raros.
Después de la guerra trabajó para casas de modelos, e hizo fotos para los diseñadores de moda de la época.

Alexander Grinberg así pues, dedicó toda su vida a la mayor de sus pasiones: la fotografía, que nunca abandonó ni en la más difícil de las circunstancias.

Descripción de un estado físico

2010-09-18T11:41:00.006+01:00

Título: " La Jongleuse", (Paul Nougé)
de la série -Subversion des images-, 1929-1930.

Una sensación de quemadura ácida en los miembros,
músculos retorcidos e incendiados, el sentimiento de ser un vidrio frágil,
un miedo, una retracción ante el movimiento y el ruido.
Un inconsciente desarreglo al andar, en los gestos,
en los movimientos.
Una voluntad tendida en perpetuidad para los más simples gestos,
la renuncia al gesto simple, una fatiga sorprendente y central,
una suerte de fatiga aspirante. Los movimientos a rehacer,
una suerte de fatiga mortal, de fatiga espiritual
en la más simple tensión muscular, el gesto de tomar, de prenderse inconscientemente
a cualquier cosa, sostenida por una voluntad aplicada.

Una fatiga de principio del mundo, la sensación de estar cargando el cuerpo, un sentimiento de increíble fragilidad,
que se transforma en rompiente dolor, un estado de entorpecimiento doloroso, de entorpecimiento localizado en la piel,
que no prohíbe ningún movimiento, pero que cambia el sentimiento interno de un miembro, y a la simple posición vertical
le otorga el premio de un esfuerzo victorioso.
Localizado probablemente en la piel, pero sentido como la supresión radical de un miembro y presentando al cerebro sólo imágenes de miembros filiformes y algodonosos, lejanas imágenes de miembros nunca
en su sitio.
La suerte de ruptura interna de la correspondencia de todos los nervios.

Un vértigo en movimiento, una especie de caída oblicua acompañando cualquier esfuerzo, una coagulación de calor
que encierra toda la extensión del cráneo, o se rompe a pedazos, placas de calor nunca quietas.
Una exacerbación dolorosa del cráneo, una cortante presión de los nervios, la nuca empeñada en sufrir, las sienes que se cristalizan o se petrifican, una cabeza hollada por caballos.

Ahora tendría que hablar de la descoporización de la realidad, de esa especie de ruptura aplicada, que parece multiplicarse ella misma entre las cosas y el sentimiento que producen en nuestro espíritu, el sitio que se toman. Esta clasificación instantánea
de las cosas en las células del espíritu, existe no tanto como un orden lógico, sino como un orden sentimental, afectivo.
Que ya no se hace: las cosas no tienen ya olor, no tienen sexo.
Pero su orden lógico a veces se rompe por su falta de aliento afectivo.
Las palabras se pudren en el llamado inconsciente del cerebro, todas las palabras por no importa qué operación mental,
y sobre todo aquellas que tocan los resortes más habituales, los más activos del espíritu.

Un vientre aplanado.
Un vientre de polvo fino y como en foco. Debajo del vientre una granada reventada.
La granada expande un flujo de copos que se eleva como lenguas de fuego, un fuego helado. El flujo se
agarra del vientre y lo hace girar.
Pero el vientre no da más vueltas. Son venas de sangre como vino, de sangre combinada con azufre y azafrán pero con un azufre endulzado con agua.

Sobre el vientre sobresalen los senos. Y más hacia arriba y en profundidad, pero en otro plano del espíritu un sol enardecido de manera que se podría pensar que es el seno el que arde. Y un pájaro
al pie de la granada.
El sol parece que tuviera una mirada.
Pero una mirada que estaría mirando el sol.
Y el aire todo es una como una melodía gélida pero una extensa, honda melodía bien compuesta
y secreta y colmada de ramificaciones congeladas.
Y todo construido con columnas, y con una especie de aguada arquitectónica que une el vientre
con la realidad.
La tela está ahuecada y estratificada.
La pintura está muy prensada a la tela.
Es como un círculo que se cierra sobre sí mismo, una suerte de abismo
en movimiento que se parte por el medio.
Es como un espíritu que se ve y se ahueca, está modelado y trabajado
sin cesar por las manos crispadas del espíritu.

Mientras tanto el espíritu siembra su fósforo. El espíritu está seguro. Tiene un pie bien apoyado
en este mundo.
El vientre, los senos, la granada, son como evidencias testimoniales de la realidad. Hay un pájaro muerto y hay un abundante surgimiento de columnas.
El aire está plagado de golpes de lápices como de golpes de cuchillos, como de esquirlas de uña mágica.
El aire está suficientemente alterado.
Así donde germina una semilla de irrealidad se dispone en células.
Las células se colocan cada una en su lugar, en abanico, rodeando el vientre,
delante del sol más lejos del pájaro y sobre ese flujo de agua sulfurosa.
Pero la arquitectura que sostiene y no dice nada es indiferente a las células.
Cada célula contiene un huevo donde se destaca el germen.
Repentinamente nace un huevo en cada célula.
En cada uno hay un hormigueo inhumano pero límpido,
las diversificaciones de un universo detenido.
Cada célula contiene bien su huevo y nos lo ofrece; pero al huevo no le importa demasiado
ser elegido o rechazado.
Algunas células no llevan huevo. En algunas crece una espiral.
Y en el aire cuelga una espiral más grande pero como azufrada, de fósforo todavía y cubierta
de irrealidad.
Y esta espiral tiene toda la relevancia del pensamiento más potente.
El vientre lleva a recordar la cirugía y la Morgue, la bodega, la plaza pública y la mesa de
operaciones.
El cuerpo del vientre parece tallado en granito o en mármol o en yeso, pero un yeso
endurecido.
Hay un casillero para una montaña.
Las burbujas del cielo dibuja sobre la montaña
una aureola fresca y translúcida. Alrededor de la montaña el aire es sonoro, compasivo,
antiguo, prohibido.
La entrada a la montaña está prohibida. La montaña tiene su lugar en el alma.
Ella es el horizonte de algo que no deja de retroceder.
Produce la impresión del horizonte infinito.
Y yo describo con lágrimas esta pintura porque esta pintura me toca el corazón.
En ella siento desplegarse mi pensamiento como en un espacio ideal, absoluto, pero un espacio
que tendría una forma posible de ser insertada en la realidad.
Caigo en ella del cielo.
Y alguna de mis fibras se desata y encuentra un lugar en determinados casilleros.
A ella regreso como a mi fuente,
allí siento el lugar y la disposición de mi espíritu.
El que ha pintado esa tela es el más grande pintor del mundo.
A André Mason lo que es justo.

Extraído de "L'Ombilic des limbes"
Antonin Artaud.

Ella...

2010-09-16T19:46:00.008+01:00

Es una intensísima corriente
un relámpago ser de lecho
una dona mórbida ola
un reflujo zumbo de anestesia
una rompiente ente florescente
una voraz contráctil prensil corola entreabierta
y su rocío afrodisíaco
y su carnalesencia
natal
letal
alveolo beodo de violo
es la sed de ella ella y sus vertientes lentas entremuertes que
estrellan y disgregan
aunque dios sea su vientre
pero también es la crisálida de una inalada larva de la nada
una libélula de médula
una oruga lúbrica desnuda sólo nutrida de frotes
un súcubo molusco
que gota a gota agota boca a boca
la mucho mucho gozo
la muy total sofoco
la toda ¡shock! tras ¡shock!
la íntegra colapso
es un hermoso síncope con foso
un ¡cross! de amor pantera al plexo trópico
un ¡knock out! técnico dichoso
si no un compuesto terrestre de líbido edén infierno
el sedimento aglutinante de un precipitado de labios
el obsesivo residuo de una solución insoluble
un mecanismo radioanímico
un terno bípedo bullente
un ¡robot! hembra electroerótico con su emisora de delirio
y espasmos lírico-dramáticos
aunque tal vez sea un espejismo
un paradigma
un eromito
una apariencia de la ausencia
una entelequia inexistente
las trenzas náyades de Ofelia
o sólo un trozo ultraporoso de realidad indubitable
una despótica materia
el paraíso hecho carne
una perdiz a la crema.

Oliverio Girondo.

Fotografía: Luz Lugosi.
Copyright © Todos los Derechos Reservados

Ilusión, desilusión estética (fragmento)

2010-08-08T20:01:00.008+01:00

"Deux jeunes filles" Antoine Wiertz (1847)

El dominio de los artefactos sobrepasa ampliamente el del arte.
El reino del arte es en rigor el de una gestión convencional de la ilusión, una convención que en principio neutraliza los efectos delirantes de la ilusión, que neutraliza la ilusión como fenómeno extremo.
La estética constituye una suerte de sublimación, de dominio por la forma de la ilusión radical del mundo, que de otro modo nos vaciaría.
Esta ilusión original del mundo de la que otras culturas han aceptado la cruel evidencia que dispone un equilibrio artificial. Nosotros, las culturas modernas, no creemos ya en esa ilusión del mundo, sino en su realidad (que es por supuesto la última de las ilusiones), cuyos estragos hemos escogido atemperar por medio de esa forma cultivada, dócil, de simulacro que es la forma estética.
La ilusión no tiene historia. La forma estética en sí misma tiene una. Pero debido a que tiene una historia, no tiene más que un tiempo, y es sin duda ahora cuando asistimos al desvanecimiento de esta forma condicional, de esta forma estética del simulacro, en beneficio del simulacro incondicional, es decir en una escena primitiva de la ilusión, donde recuperaremos los rituales y las fantasmagorías inhumanas de las culturas más allá de la nuestra.

Jean Baudrillard
(Reims, 20 de junio de 1929 – París, 6 de marzo de 2007)

Kamil Vojnarn (Flying Blind Pictures)

2010-07-14T19:28:00.004+01:00

Gallery: http://flyingblindpictures.com/

Cuadros de viaje

2010-06-20T16:58:00.008+01:00

"La vida y el mundo son el sueño de un dios ebrio, que escapa silencioso del banquete divino y se va a dormir a una estrella solitaria, ignorando que crea cuanto sueña...
Y las imágenes de ese sueño se presentan, ahora con una abigarrada extravagancia, ahora armoniosas y razonables... La Ilíada, Platón, la batalla de Maratón, la Venus de Médicis, el Münster de Estrasburgo, la Revolución Francesa, Hegel, los barcos de vapor, son pensamientos desprendidos de ese largo sueño. Pero un día el dios despertará frotándose los ojos adormilados y sonreirá, y nuestro mundo se hundirá en la nada sin haber existido jamás."

*Fragmento extraído de "Cuadros de viaje"
(Heinrich Heine)

*Fotografía: Feébrile (Isabelle Royet)

Denise Grünstein

2010-06-12T20:54:00.005+01:00

Máximos Mea Culpa!
Damas y Caballeros, siento muchísimo no actualizar el blog más a menudo como lo solía hacer antes, a mi parecer le faltan más horas al día para hacer todo lo que me gustaría hacer, como actualizar el blog (en este caso).
Tengo mucho material con el qué deleitarlos, pero tenerme un poco de paciencia y 'ex ante' de que cante un gallo volveré a mis andadas con la constancia de antaño.
Aquí les dejo con unas fotografías maravillosas de la sueca Denise Grünstein.
Salud!

Alison Brady

2010-05-13T18:22:00.007+01:00

Transcribo aquí lo que Alison Brady dice sobre sus fotografías:

"Mi trabajo es una serie de fotografías en color que estimulan las emociones inconscientes, deseos y compulsiones sexuales, todo ello unificado en una dinámica que oscila entre lo real y lo fantástico. Exploro las cuestiones relacionadas con la locura y la alienación, tal y como existen en la cultura contemporánea, centrándose en las expresiones de la neurosis, en los sentimientos de ansiedad, el desplazamiento y pérdida de identidad.

Estas emociones se representan en términos de conflicto visual a través de mis imágenes, y se manifiestan en términos de la exageración grotesca.
Las cuestiones relacionadas con el inconsciente, los elementos tales como el erotismo, el humor retorcido, o el horror trato de representarlas a través de ellas. Me esfuerzo para crear las dicotomías entre lo sensual y lo horrible, lo bello y lo destructivo; el resultado, espero, es un trabajo conformado por las representaciones profundamente emocionales e inquietantes de lo desconocido, la puesta en escena de imágenes funcionan en un nivel metafórico, objetos inanimados y los ajustes sufientes sirven para ilustrar el funcionamiento interno del inconsciente.

Portfolio: http://alisonbrady.com/

¡Feliz Cumpleaños!

2010-05-11T22:43:00.006+01:00

¡Feliz Cumpleaños a mi, y ya que compartimos el día de brote en ésta tierra, tambien a Salvador Dalí!
29 años son pocos para muchos, pero muchos cuando no se ha pensando en llegar hasta ellos gracias a los muchos y variopintos óbices que acarrea la existencia.
¡Pero aquí sigo, y brindo por ello!
Poreso y por muchas cosas más, a seguir en la lucha, hoy y siempre.
¡Feliz Cumpleaños a mi! ♪

En qué 'creía' Ballard...

2010-05-04T19:54:00.005+01:00

Creo en el poder de la imaginación para rehacer el mundo, liberar la verdad que
hay en nosotros, alejar la noche, trascender la muerte, encantar las autopistas,
congraciarnos con los pájaros y asegurarnos los secretos de los locos.

Creo en mis propias obsesiones, en la belleza de un choque de autos, en la paz del
bosque sumergido, en la excitación de una playa de vacaciones desierta, en la
elegancia de los cementerios de automóviles, en el misterio de los
estacionamientos de varios pisos, en la poesía de los hoteles abandonados.

Creo en las pistas de aterrizaje olvidadas de Wake Island, señalando a los
Pacíficos de nuestras imaginaciones.

Creo en la belleza misteriosa de Margaret Thatcher, en el arco de sus fosas
nasales y el borde de su labio inferior; en la melancolía de los conscriptos
argentinos heridos; en las sonrisas perturbadas de los empleados de estaciones
de servicio; en mi sueño sobre Margaret Thatcher acariciada por ese joven
soldado argentino en un motel olvidado, observados por un empleado de estación
de servicio tuberculoso.

Creo en la belleza de todas las mujeres, en la perfidia de sus fantasías, tan cerca
de mi corazón; en la unión de sus cuerpos desencantados con los rieles de cromo
de las góndolas de supermercado; en su cálida tolerancia de mis propias
perversiones.

Creo en la muerte del mañana, en el final del tiempo, en la búsqueda de
un tiempo nuevo en las sonrisas de las mozas de los bares de las rutas y en los
ojos cansados de los controladores de tráfico aéreo en aeropuertos fuera de
temporada.

Creo en la locura, en la verdad de lo inexplicable, en el sentido común de las
piedras, en la demencia de las flores, en la enfermedad reservada para la raza
humana por los astronautas del Apolo.

No creo en nada.

Creo en Max Ernst, Delvaux, Dalí, Tiziano, Goya, Leonardo, Vermeer, de Chirico,
Magritte, Redon, Durero, Tanguy, el Facteur Cheval, las torres Watts, Bocklin,
Francis Bacon, y en todos los artistas invisibles dentro de las instituciones
psiquiátricas del mundo.

Creo en la imposibilidad de la existencia, en el humor de las montañas, en lo
absurdo del electromagnetismo, en la farsa de la geometría, en la crueldad de la
aritmética, en las intenciones asesinas de la lógica.

Creo en las adolescentes, en la corrupción que hay en ellas sólo por la postura de
sus piernas, en la pureza de sus cuerpos desaliñados, en los rastros que sus partes
pudendas dejan en los baños de moteles miserables.

Creo en el vuelo, en la belleza del ala, y en la belleza de todo lo que alguna vez
haya volado, en la piedra arrojada por un niño pequeño que lleva en sí misma la
sabiduría de los estadistas y de las parteras.

Creo en la amabilidad del bisturí, en la geometría sin límites de la pantalla de
cine, en el universo oculto dentro de los supermercados, en la soledad del sol, en
la locuacidad de los planetas, en la redundancia de nosotros mismos, en la
inexistencia del universo y el aburrimiento del átomo.

Creo en la luz que arrojan las videograbadoras en las vidrieras de las grandes
tiendas, en la agudeza de las parrillas de los radiadores en los salones de venta de
automóviles, en la elegancia de las manchas de aceite sobre las barquillas de los
motores de los 747 estacionados en las pistas de los aeropuertos.

Creo en la no existencia del pasado, en la muerte del futuro, y en las infinitas
posibilidades del presente.

Creo en el desarreglo de los sentidos: en Rimbaud, William Burroughs,
Huysmans, Genet, Celine, Swift, Defoe, Carroll, Coleridge, Kafka.

Creo en los próximos cinco minutos.

Creo en la historia de mis pies.

Creo en las migrañas, el aburrimiento de las tardes, el temor a los calendarios, la
traición de los relojes.

Creo en la ansiedad, la psicosis y la desesperanza.

Creo en las perversiones, en el amor obsesivo por los árboles, las princesas, los
primeros ministros, las estaciones de servicio abandonadas (más bellas que el Taj
Mahal), las nubes y los pájaros.

Creo en la muerte de laa emociones y el triunfo de la imaginación.

Creo en el alcoholismo, las enfermedades venéreas, la fiebre y el agotamiento.

Creo en el dolor.

Creo en la desesperanza.

Creo en todos los niños.

Creo en mapas, diagramas, códigos, juegos de ajedrez, rompecabezas, tableros de
horarios de vuelos, carteles indicadores de los aeropuertos.

Creo en todas las excusas.

Creo en todas las razones.

Creo en todas las alucinaciones.

Creo en toda la rabia.

Creo en todas las mitologías, recuerdos, mentiras, fantasías y evasiones.

Creo en el misterio y la melancolía de una mano, en la amabilidad de los árboles,
en la sabiduría de la luz.

J. G. Ballard extraído de "En qué creo"
(18 de noviembre de 1930 - 19 de abril de 2009 )

Osamu Shiihara

2010-04-27T19:56:00.005+01:00

• Nombre: Osamu Shiihara

• Ciudad, fecha de nacimiento: Osaka (Japón) 1905

• Estudios: estudió en la Escuela de Bellas Artes de Tokio (en la actualidad la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música), donde estudió con el pintor Fujishima Takeji en el departamento de pintura occidental.
Después de graduarse en 1932, regresó a Kansai (oeste de Japón) y estableció un taller de pintura en la prefectura de Hyogo.

• Estilo: surrealista, abstracto.

• Trabajos/exposiciones: al poco de comenzar en la fotografía se convirtió en miembro del Club de Fotografía Tampei. Como miembro principal del Club, produjo un gran número de fotografías experimentales, empleando técnicas especiales tales como los fotogramas, la solarización y una combinación de dibujo y fotografía que se llamó a peinture Foto (pintura foto).
Después de la guerra se trasladó a Osaka Shiihara, donde continuó con su fotografía, y en 1953 se unió a Tanahashi Shisui y otros en la formación de la Asociación de Fotógrafos de Spiegel hasta que murió.
Sus obras están en colecciones permanentes de las instituciones nacionales e internacionales y museos como el Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio, Nagoya City Art Museum, The Museumn de Bellas Artes de Houston y el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Solo

2010-04-27T19:34:00.004+01:00

Solo,
con mi esqueleto,
mi sombra,
mis arterias,
como un sapo en su cueva,
asomado al verano,
entre miles de insectos
que saltan,
retroceden,
se atropellan,
fallecen;
en una delirante actividad sin rumbo,
inútil,
arbitraria,
febril,
idéntica a la fiebre
que sufren las ciudades.
Solo,
con la ventana
abierta a las estrellas,
entre árboles y muebles que ignoran mi existencia,
sin deseos de irme,
ni ganas de quedarme
a vivir otras noches,
aquí,
o en otra parte,
con el mismo esqueleto,
y las mismas arterias,
como un sapo en su cueva
circundado de insectos.

(Oliverio Girondo)

Philippe Halsman

2010-04-17T17:10:00.006+01:00

• Nombre: Philippe Halsman.

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: Letonia, 2 de mayo de 1906 - NY, 25 de junio de 1979.

• Estudios: Estudió ingeniería en Dresden (Alemania) antes de trasladarse a París, donde estableció su estudio fotográfico en 1932.

• Estilo: Si por algo se caracterizó Halsman fue por su ingenio, materializado sobre todo a través de la técnica del "jumping style" o "jumpology", a la que él dio origen. Se trataba de retratar a la persona saltando, para así conseguir una imagen de ésta mucho más real, más verdadera, sin artificio ninguno, sin que el cerebro pudiera controlar la expresión del rostro. «En un salto, la 'máscara' se cae. La persona real se hace visible», explicaba Halsman. El resultado era una imagen de la persona bien distinta a como solía aparecer, y por ello con gran atractivo para el público, estas «imágenes de saltos» se publicaron en 1949 alcanzando gran éxito. No todo eran saltos, pero siempre sus fotografías mostraban situaciones divertidas, y algunas, algo provocadoras.

• Obra: Halsman, se instaló en París donde trabajó como fotógrafo de moda independiente y colaboró en la revista Vogue. Sus retratos de actores y personalidades famosas aparecieron en portadas de libros y revistas. En 1936, Halsman fue conocido como uno de los mejores fotógrafos de retrato en Francia. Halsman trabajó con Dalí durante mucho tiempo, y se convirtieron en socios en muchos proyectos, incluyendo una serie de cuadros que contenían toda la irracionalidad de los sueños perturbadores de Dalí. Su producción más notable fue "Dalí Atomicus" (1948), en la que él artista, sus lienzos, muebles, gatos, y toda el agua parece suspendida en el aire.

Por su cámara pasaron desde pensadores, como Albert Einstein (gran amigo suyo), hasta políticos, como Richard Nixon, pasando por artistas de la talla de Marlon Brando, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, Frank Sinatra o Cary Grant. Además de su serie de saltos, entre sus trabajos más originales se encuentra una "entrevista fotográfica" al cómico francés Fernandel. Puesto que Halsman no hablaba francés y tampoco Fernandel inglés, a Halsman se le ocurrió que el cómico respondiera a una serie de preguntas sobre Estados Unidos por medio de la expresión facial. El resultado del experimento fue un libro divertidísimo titulado 'The Frenchman'.

Los ojos abiertos

2010-04-11T18:12:00.008+01:00

Alguien mide sollozando
la extensión del alba.
Alguien apuñala la almohada
en busca de su imposible
lugar de reposo.

Alejandra Pizarnik, Los trabajos y las noches (1965)

Fotos de: Dennis Sibeijn.

Sally Mann

2010-03-21T17:52:00.006Z

• Nombre: Sally Mann

• Ciudad, fecha de nacimiento: 1 de mayo de 1951 en Lexington (Virginia)

• Estudios y comienzos: estudió fotografía en la Praestegaard Film School (1971) y en la Aegeon School of Fine Arts (1972); sus últimos estudios en el Apearon, 1973; y el Seminario Ansel Adams en Yosemite. Sally se inicia como fotógrafa documental del período moderno. Sus retratos de la familia se originan en el año 1984 cuando su hija Jessie regresó a casa con la cara hinchada por las picaduras de mosquitos. El aspecto de la niña le provocó un deseo compulsivo de fotografiarla y este hecho motivó muchas fotografías más.

• Estilo: documental, con visiones bastante oscuras y en sus comienzos sobretodo con la constante presencia de la parca. Es conocida por el apodo: "Faulkner of the lenses", por el poeta William Faulkner, donde en sus obras destacan el drama psicológico y la profundidad emocional entremezclada con la muerte y el más allá.

• Técnica: Sally aplica la técnica que se usaba hace 150 años, trabajando con una placa de vidrio cubierta con colodión y éter. Se caracteriza por usar una cámara de formato grande y lo único digital que usa, son sus manos. A veces ella invierte el lente para lograr imágenes fuera de foco, asociadas con el Simbolismo francés.

• Trabajos/exposiciones: una serie de retratos de familia comprendieron la publicación de su primer libro en 1992, así como también exhibiciones en el “Institute of Contemporary Art” en Filadelfia y otra en la Galería de Nueva York. Ha publicado cinco libros, entre ellos “Mother Land” con fotografías de paisajes del sur. Su trabajo ha sido exhibido en numerosos museos, incluyendo el Barbican en Londres; el Whitney Museum of Art Bienal, 1991; “Photo Gallery International” en Tokio; el Museo de Arte Moderno en Nueva York; y sus colecciones se encuentran en el “Smithonian Institution”, el Museo Metropolitano de Arte y otras importantes instituciones. En julio de 2001, Sally Mann recibió de la revista Time Magazine, el premio de la Mejor Fotógrafa norteamericana.

Fuentes: Gladys Berly.

Dietmar Busse

2010-03-12T17:44:00.005Z

Iggy, 2007

Miranda & Malkavitch, 2006

Alice O' Malley, 2008

Terence Koh, 2007

Alberto Garcia-Alix, 2008

Rose Wood, 2008

Dietmar Busse nació en Alemania y ha estado viviendo y trabajando en Nueva York desde 1991. Según dice, su principal interés es el retrato, pero también ha trabajado mucho en la moda. Su trabajo ha sido publicado en el New York Times Magazine, American Photo, Modern Painters, y Visionaire entre otras.

En 2003, publicó su primer libro llamado: 'Flower Album', entre su galería me llaman particularmente la atención sus retratos de doble exposición, para lo cual utiliza personajes bastante peculiares, tambien tiene un álbum de retratos de artistas españoles entre los cuales podemos ver al grande de Garcia-Alix.

Para ver sus fotografías, pincha en su portfolio.

Theodore Zichy

2010-03-12T15:59:00.003Z

• Nombre: Theodore Zichy

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: Eastbourne, Austria (1908-1983).

• Estudios: -

• Estilo: Fotografia fetichista.

Zichy fué comúnmente conocido por fotografiar basicamente piernas y pies de mujeres, toda ésta obra se encuentra concentrada en su portfolio "Claroscuros, 1948". Teodoro Zichy tenía la ciudadanía húngara y británica, y al parecer su padre era un aristócrata húngaro y era sobrino del conocido ilustrador romántico Mihály Zichy. Teodore, a pesar de ser practicamente un desconocido para muchos, ha sido descrito como un misterioso y excéntrico fotógrafo, cineasta, y actor.

George Krause

2010-03-08T12:44:00.005Z

• Nombre: George Krause

• Ciudad, fecha de nacimiento: Philadelphia, Pennsylvania en 1937.

• Estudios: recibió formación de pintura, dibujo, escultura y fotografía en la Escuela de Arte de Filadelfia.

• Estilo: Krause empezó haciendo fotografía más bien social, pero posteriormente se trasladó en una dirección menos documental, en busca de imágenes más ambiguas, más simbólicamente ricas y abiertas a la interpretación. Sus trabajos han incluido cementerios, estatuas religiosas, y una serie de atípicos desnudos, Anne W. Tucker, dijo sobre él: "Krause explora intensamente los temas personales enraizados en los intereses humanos básicos: la sensualidad, la mortalidad, y el misterio...Su trabajo es perpetuamente relevante porque sus problemas son básicos y vitales para la condición humana. Pocos espectadores se quedan ante sus exposiciones impasibles-ya sea por la indignación, el horror, la emoción, o la interrogación qué sugieren sus imágenes. "

• Influencias: Cartier-Bresson, Strand y Kertesz.

• Trabajos/exposiciones: Recibió el primer Premio de Roma y la primera Fulbright / Hays que haya sido otorgada a un fotógrafo, dos becas Guggenheim y tres becas de la Fundación Nacional de las Artes.
Sus fotografías están en las colecciones de los museos más importantes del mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Bellas Artes de Houston, el Museo de Arte de Filadelfia, y la Biblioteca Nacional de París. En 1993 fue galardonado como el Artista del Año en Texas.
Krause se retiró recientemente de la Universidad de Houston, donde había creado un programa de fotografía y ahora vive en Wimberley, Texas.

WEB

Alexis o el tratado del combate estéril (fragmento)

2010-03-08T12:14:00.003Z

"El sufrimiento es uno. Se habla de sufrimiento como se habla del placer, pero se habla de ellos cuando ya nos dominan. Cada vez que entran en nosotros, nos sorprenden como una sensación nueva y tenemos que reconocer que los habíamos olvidado. Son diferentes porque nosotros también lo somos: les entregamos cada vez un alma y un cuerpo modificados por la vida. Y sin embargo, el sufrimiento no es más que uno. No conoceremos de él, como no conoceremos del placer, más que algunas formas, siempre las mismas, de las que estamos presos. Habría que explicar esto: nuestra alma, supongo, no tiene más que un teclado restringido y aunque la vida se empeñe en hacerlo sonar, sólo podrá obtener dos o tres pobres notas."

Marguerite Yourcenar

Edward Steichen

2010-03-02T15:11:00.006Z

Gloria Swanson

Mask of Goethe and Spiral, 1932

• Nombre: Edward Steichen

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: Luxemburgo, 27 de marzo de 1879- 25 de marzo de 1973 (West Redding)

• Estudios: Tomó su primera foto en 1895, cuando tenía tan sólo 16 años, y a los 21 se fue a París para estudiar pintura.

• Estilo: impresionista, aunque tambien fué uno de los mayores representantes del pictorialismo.

• Trabajos/exposiciones: cuando se mudó a Nueva York en 1905 se unió al fotógrafo norteamericano Alfred Stieglitz y abrieron la Gallery 291, sala en la que realizaron sus primeras exposiciones, al año siguiente Steichen volvió a París, donde experimentó con la pintura y la fotografía, entre otras cosas.
fue miembro del Photo-Secession, (club de fotografía artística). Durante la primera guerra mundial se dedicó a ella como fotógrafo. Más tarde trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue y durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de la US-Marine y posteriormente dirigió la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Steichen hizo retratos de cientos de personalidades destacadas en el cine, teatro, literatura, política, música y deportes, como Gary Cooper, Marlene Dietrich, Joan Crawford, Colette, Winston Churchill, Amelia Earhart, Jack Dempsey, Noel Coward , Greta Garbo, Dorothy Parker, y Cecil B. De Mille entre otros.
Su obra maestra es la exposición de fotografía The Family of Man que realizó para el MoMA, donde en 1947 fué nombrado director del museo. Steichen fué uno de los pintores más representativos del siglo XX.

Marina Edith calvo

2010-02-23T19:57:00.008Z

Sobre Marina Edith Calvo, sólo pude averiguar qué nació en el 60 en Messina (Italia), qué estudió fotografía y biología, qué actualmente es profesora en Milán, qué ganó un premio de autorretratos hace 2 años , y qué tambien en el 2009 se llevó a cabo una exposición de sus fotografías en "Transfigura", La Stazione Fotografica, en Lecco,Italia.

Hace unos años descubrí sus fotografías pero, como mucho otro material pendiente de 'posteo', lo tenía reservado para cuando encontrase más info. Ahora también he podido saber qué una de sus fotógrafas favoritas es Sarah Moon.
Lo cierto es qué hoy me he vuelto a topar con sus fotos en mis favoritos y no me he resistido, me han vuelto a dejar absorta por completo, son fotografías preciosas, con un magnetismo ineludible, soberbiamente surrealistas e inquietantes. La mayoría son autorretratos, en enfocarte, puedes ver algunas imágenes de "La Metamorfosis de Eva", un estudio del mundo femenino qué consiste en tres series.

Más en... Enfocarte

Robert Mapplethorpe

2010-02-23T18:13:00.005Z

• Nombre: Robert Mapplethorpe.

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: Nueva York, 4 de noviembre de 1946 – Boston, 9 de marzo de 1989.

• Estudios: cursó estudios superiores en el Pratt Institute de Brooklyn desde 1963 a 1970, donde produjo obras de arte en una gran variedad de medios de comunicación. No utilizaba aún sus propias fotografías, pero en sus obras incorporaba muchas imágenes fotográficas que conseguía de varias fuentes, incluyendo páginas arrancadas de libros y revistas. Este temprano interés reflejaba la importancia de la imágen fotográfica en la cultura y el arte de su tiempo, incluyendo el trabajo de artistas tan notables como Andy Warhol, a quien Mapplethorpe admiraba enormemente. Comenzó su carrera fotográfica utilizando una cámara Polaroid que le regaló un amigo con la única finalidad de poder usar estas fotografías como inspiración y guía de su pintura. Sus primeras fotos fueron autorretratos y retratos de su compañera sentimental Patti Smith.

• Estilo: principalmente se basó en retratos, bodegones, desnudos pornográficos y artísticos. El escándalo siempre rodeó su obra y sus exposiciones estaban llenas de polémica y prohibiciones. Y es que en muchas ocasiones, la temática de sus fotos, sobrepasaba con creces lo "socialmente aceptado": desnudos, relaciones sadomasoquistas, etc. Pero su intención no era escandalizar, el trataba de encontrar lo inesperado y de capturar imágenes que no se hubieran visto antes.

• Trabajos/exposiciones: empezó su carrera como cineasta independiente y artista, usando fotografías en collages. Poco a poco fué mejorando su técnica y ampliando su repertorio a base de hacer retratos en sus círculos más cercanos, los cuales los formaban artistas, compositores, estrellas del cine porno y la mayoría de la escena underground de Brooklyn. Mapplethorpe continuó desafiando la definición de fotografía, a mediados de los años 70's se hizo con una Hasselblad, y siguió con su creación mediante la introducción de nuevas técnicas y formatos para su obra: polaroids en color, fotograbado, platino impreso en papel y lino, impresiones de tinta de color transferida, así como sus anteriores impresiones de gelatina de plata en blanco y negro.
Entre los retratos que realizó podemos encontrarnos con personajes como Andy Warhol, el escritor William Burroughs, el poeta Jim Carroll. También fué un solicitado fotógrafo, trabajo en editoriales, y realizó retratos de más famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair. Así, Robert produjo una obra consistente que se esforzaba por el equilibrio y la perfección, lo que le colocó entre los principales artistas del siglo XX.

Fuentes: http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe
http://funversion.universia.es/tendencias/reportajes/mapplethorpe.jsp

Otto Umbehr

2010-02-21T18:04:00.008Z

Autorretrato

• Nombre: Otto Umbehr.

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: Düsseldorf (Alemania), 1902–1980.

• Estudios: fué un reportero gráfico también conocido por sus retratos convincentes. Tras cursar estudios en la pintura y el diseño en la Bauhaus (1921-23), Otto se trasladó a Berlín donde realizó varios trabajos, incluyendo el asistente de cámara de Walter Ruttmann en la película documental de Berlín, Die Sinfonie einer Grosstadt (Berlín, sinfonía de una gran ciudad,1927). Pronto se hizo conocido por sus retratos sorprendentes producidos a partir de primeros planos extremos con una iluminación espectacular.

• Estilo: surrealista.

• Trabajos/exposiciones: En 1926 comenzó una carrera como fotógrafo profesional, abrió un estudio fotográfico con la ayuda de Paul Citroën, un colega de la Bauhaus, y en el 28 abrió también la primera agencia cooperativa de reporteros gráficos, donde desempeñaba la gestión del estudio y la contribución de fotografías hasta que el organismo se disolvió en 1933. Durante este tiempo, su trabajo ha aparecido en revistas tales como el Berliner Zeitung Illustrierte, la Presse Illustrierte Münchner, Die Dame, y Die Koralle. También experimentó con la exposición, múltiples ángulos inusuales, el fotomontaje, el collage, y la película de rayos X, y en 1929 tomó parte en Film und Foto, la importante exposición internacional de fotografía de avant-garde.

Durante los años 1930 y principios de 1940, trabajó como reportero gráfico independiente, viajó a África del Norte e Italia. Durante la Segunda Guerra Mundial sirvió en el ejército alemán (1943-45), perdiendo todos sus copias y negativos cuando se destruyó su estudio. Después de la guerra se trasladó a Hannover, donde continuó su trabajo independiente. Desde 1957 hasta la década de 1970 también enseñó fotografía en Bad Pyrmont, Hildesheim, y Hannover. M.M.

Helen Levitt

2010-02-21T17:12:00.005Z

• Nombre: Clarence Helen Levitt.

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: NY, 31 de agosto de 1913 - 29 de marzo de 2009.

• Estudios: autodidacta, empezó a trabajar para un fotógrafo comercial antes de adquirir conocimientos técnicos, fué alumna de Walker Evans y de Cartier-Bresson de quién aprendió basicamente tres lecciones: el registro fotográfico de los hechos contundentes y ordinarios de la vida qué pasaba por sus ojos podría revelar el misterio y la fantasía qué la misma vida cotidiana puede ofrecer, que la poesía en tales imágenes siempre dió la espalda a los sistemas de valores tradicionales y las nociones ocultas de la belleza, y que en este arte, las 'víctimas' qué se retratan en el instante, no eran casuales. En 1936 compró la misma Leica que Cartier-Bresson utilizaba.

• Estilo: su obra fué considerada dentro del género documental, gustaba de retratar las calles y los habitantes de la ciudad de NY, especialmente a los niños, Nueva York era para Ella la puerta de un umbral, de lo privado al espacio público, y sus imágenes se confirman en los habitantes de la ciudad, pueden dar fe: el barrio, las aceras y las calles. Todas sus fotografías eran en blanco y negro, a una distancia media de los sujetos y representabn el yo en su estado natural más extrovertido, surrealista, los niños en el juego y en el esplendor de la fantasia.
Los espacios en sus imágenes han sido descritos como escenario- y de sus habitantes como un elenco interminable de personajes antes, durante y después de la transformación.

• Trabajos/exposiciones: hoy en día es considerada una de las grandes fotógrafas del siglo XX, aparte de muchas exposiciones a lo largo de su carrera y 3 libros publicados, Helen también tuvo su contacto con el cine y el documental a finales de los años 40's influida por Luis Buñuel.

Meryem Yildiz

2010-02-17T18:15:00.004Z

• Nombre: Meryem Yildiz.

• Ciudad, fecha de nacimiento: Montreal.

• Estudios: autodidacta en cuanto a fotografía se refiere, pero se licenció en psicología.

• Estilo: Inspirada por su propia dualidad y por componer con sus propio subterfugios qué favorecen las alegorías dípticas, las representaciones y discursos silenciosos codificados. Su estilo está basado en sus recuerdos, tesoros ocultos, tambien inspirados por polvorientos espejos, gatos, tarros de cristal, páginas perdidas y encontradas - Estas sirven como un ejemplo de los elementos claves para descifrar sus imágenes, todas ellas cuidadosamente tejen una relación entre la intención y el resultado final qué como Ella misma lo califica es una narrativa figurativa llevada a la dimensión de la fotografía digital.

• Frases: "Voy a evocar un lenguaje en el que abiertamente se exponen todas las reflexiones ocultas, para entonces evitar así, la culpa de un secretismo excesivo y, sin embargo mantener todo el tiempo que se desee, el silencio."

Página Web

Sergio Larrain

2010-02-17T16:54:00.004Z

• Nombre: Sergio Larrain

• Ciudad, fecha de nacimiento: Valparaíso (Chile) 1939.

• Estudios: en 1948 viaja a Estados Unidos donde estudia en varias universidades ingeniería forestal, estudios que no le satisfacen, así qué decide estudiar fotografía, por lo que se traslada a la universidad de Michigan.
En ese país adquiere su primera cámara fotográfica, una Leica IIIC.
En 1951 vuelve a Chile y comienza a fotografiar. También aprovecha un viaje familiar que dura ocho meses por Europa y Oriente Medio, Estambul, Grecia, Italia, España, Inglaterra, Francia...en 1956 envía un portfolio al Museo de Arte Moderno de Nueva York, y le compran dos fotografías, el cheque viene firmado por Edward Stiechen.

• Estilo: Larraín trató el tema de los niños marginales que vivían bajo los puentes del río Mapocho. De este trabajo se incluyen algunas fotos en su libro "El rectángulo en la mano". La fotografía de Larrain, aunque mucha fué encargada por revistas de prestigio, su verdadero estilo radicaba en la fotografía de calle, donde encantaba de captar escenas cotidianas con el más puro realismo.

• Trabajos/exposiciones: realizó su primera exposición en Santiago de Chile en 1953 y en 1961 entró a formar parte de la agencia Magnum. Su primer libro publicado fué 'El rectángulo en la mano', tambien trabajó para la revista brazileña: "O Cruzeiro" y de ahí trabajó varios años para diversas revistas europeas. Colaboró tambien con Pablo Neruda en una edición de su libro: "Una casa en la arena", en 1968 con motivo de otra exposición en Lausana publica otro libro titulado: 'Chile', pero su libro más importante se titula 'Valparaíso' y apareció en 1991, su último libro de título 'London', apareció en 1998. En 1999 realizó una exposición en el Centro Julio González del IVAM y se editó un catálogo retrospectivo de su obra.
Hoy en día su obra se encuentra en diversos museos y colecciones, como el MOMA de Nueva York o el Castillo de agua Laganne en Toulouse.
A finales de los años sesenta se trasladó a Ovalle (Chile) y fue abandonando poco a poco la fotografía y profundizando en el estudio de la cultura y mística orientales.
Larraín es el menos conocido y menos publicado de los miembros de
la agencia MAGNUM. De todos modos, oh paradoja!, es el fotógrafo chileno que ha llegado más lejos en el reconocimiento internacional.

Sus fotos en el catálogo de Magnum.

Dan Estabrook

2010-02-16T17:17:00.005Z

• Nombre: Dan Estabrook

• Ciudad: Chicago.

• Estudios: Dan Estabrook descubrió la fotografía a través de las revistas underground del Punk y la cultura skate de la década de los 80's. Como estudiante de pregrado en Harvard, trabajó con Christopher James, de quien aprendió los procesos fotográficos alternativos, así como maneras de combinar sus diversos intereses artísticos.

• Estilo: Dan trabaja exclusivamente todos aquellos procesos fotográficos olvidados del siglo 19, Dan Estabrook produce íntimo, pero convincente, fotografías que ilustran la belleza de los métodos de procesado de años pasados.
Estabrook presenta imágenes que ocultan la división entre el consciente y los diversos estados del sueño, como en las imágenes, qué aparecen y desaparecen en fondos decolorados, hay partes del cuerpo qué levitan y así los sueños brotan visiblemente de los labios fruncidos de una mujer. Las fotografías de Dan nos enfrentan directamente a la pasión, la obsesión, el miedo y la emoción provocada por el amor, así como su pérdida. Mediante el empleo de las técnicas y las metáforas utilizadas por los profesionales del siglo XIX, Estabrook es capaz de hacer comentarios mudos pero realistas mediante sus fotos, sobre la intemporalidad de sus preocupaciones y la fascinación duradera con el amor, el sexo y la muerte.

Sobre esto, Dan Estabrook dice:

"Sólo hace cien años, la ciencia aún podía reclamar la quiromancia, la frenología, la fisonomía y entre sus disciplinas, y aún hoy en día tendemos a creer que la escritura en el cuerpo son las claves para descifrar el lenguaje secreto de la vida cotidiana. Existe también la ciencia, en la fotografía - la mezcla de sal y plata para representar los detalles de otro modo invisible del mundo natural. Por procesos físicos y químicos, incluso es posible destilar el aliento, el tiempo de captura, y dar una vida material a lo inmaterial. Esta es la alquimia que me mueve. Yo emulo las técnicas de impresión del siglo XIX, y quiero hacer visibles los materiales, qué sean sólo -física- de las fotografías que hago, yo intento tener fotografías aparentemente anónimas, pero en realidad son objetos altamente personales. En estas imágenes repetidas de alguna forma única, reaparecen los textos, un conjunto de flores, los patrones del polvo y la decadencia qué son casi legibles en mis fotos, inscritos en la piel del papel, el estaño y el vidrio."

Dan Estabrook, 1998.

Gallery

Cuando la peste haya purificado la tierra...

2010-02-09T17:51:00.002Z

"Cuando tiemblen de pánico los poderosos ricos
cuando en señal de miedo levanten sus manos
serenas ante el fuego las casas se derrumben
los desnudos cadáveres tirados por los caminos
iremos a contemplar la sonrisa de los muertos
caminaremos muy lentamente con los ojos cautivados
registrando con los pies bajo los patíbulos de las mandrágoras
sin pensar en los heridos sin lamentar sus vidas.
Correrá la sangre y sobre los rojos pantanos
inclinados contemplaremos serenamente nuestros rostros
miraremos en los trágicos espejos la muerte de los amantes y la caída de las casas
tendremos mucho cuidado en conservar puras nuestras manos
y de noche lo mismo que Nerón admiraremos el incendio de las ciudades
el desplome de los muros
y como él con indolencia cantaremos
cantaremos el fuego la nobleza de las fraguas
la fuerza de los zagales
los gestos de los ladrones
la muerte de los héroes
y la gloria de las antorchas
que forman una aureola alrededor de cada frente
la belleza de la primavera y los amores fecundos
la dulzura de los ojos azules que la sangre satisface
el alba que despunta y el frescor de las olas
la dicha de los niños y la eterna existencia.
Pero no cantaremos más
ni el mirto de las viudas
ni el honor de obedecer
ni el son de los cañones
ni el pasado
pues la claridad del nuevo día, no hará que vibre siquiera la estatua de Memmon
luego bajo el sol se pudrirán los cadáveres
y muchos otros hombres que morirán en libertad
el sol y los muertos en las tierras que se siembran darán la belleza rubia y la fecundidad
y más tarde cuando la peste haya purificado la tierra
en dulce paz viviremos los bienaventurados hombres, apacibles y puros
pues los lagos y los mares serán suficientes para lavar la sangre de las manos"

Extracto de "El vigía melancólico"
Gillaume Apollinaire.

Symon Chow

2010-02-07T17:29:00.004Z

• Nombre: Symon Chow

• Ciudad, fecha de nacimiento: Brooklyn, New York. Edad desconocida.

• Estudios: Fotografía en la Parsons School of Design de NY.

• Estilo: su estilo puede decirse qué es bastante dispar, porque abarca diferentes temas, es en todo caso multidisciplinar, él dice qué la mayoría de trabajos qué le encargan y están remunerados tienen qué ver con moda pero aún así confiesa qué el dinero nada tiene qué ver, se considera un apasionado de la fotografía en toda regla.

• Trabajos/exposiciones: Symon aparte del mundo de la fotografía ha incursionado tambien en la producción cinematográfica,stop animation, efectos visuales y efectos de maquillaje en el cine, en el diseño gráfico (principalmente en libros infantiles) en los últimos 10 años.

Su trabajo puede ser visto en portadas de libros, discos compactos, para una muestra las fotos del grupo femenino "Rasputina" con el qué ha colaborado en muchas ocasiones. También ha hecho portadas para revistas, y dice qué tambien está feliz de qué su trabajo se luzca en las paredes y mantas de amigos y familiares.

Página Web

Yell Saccani "el alma en movimiento"

2010-02-05T20:52:00.005Z

• Nombre: Yell Saccani

• Ciudad: Israel.

•Edad: 34 años.

• Estudios: Autodidacta.

• Estilo: La mayor parte de las fotografías de Yell son autoretratos, son fotografías bastante íntimas e inquietantes donde saca su verdadera alma a través del lente. Lleva sólo 2 años haciendo fotos y ya es bastante admirada dentro del mundo de la fotografía donde todo empezó colgando sus fotos experimentales en Flickr.
Sus fotos aparte de tener ese halo de misterio y de oscuridad, son como la invitación a entrar en un mundo onírico donde el movimiento cobra vida ante la desesperación del segundo de la toma.

• Trabajos/exposiciones: Galerie Lemniscate (Toulouse, France)

Página Web

Ralph Eugene Meatyard

2010-01-12T20:03:00.003Z

• Nombre: Ralph Eugene Meatyard's

• Ciudad, fecha de nacimiento y defunción: 15 de Mayo de 1925, (Illinois), 7 de Mayo de 1972.

• Estilo: digamos qué experimental llevado al surrealismo en toda regla, el trabajo Meatyard desafió la mayoría de las convenciones culturales y estéticas de su tiempo y hasta relativamente hace poco no encajaba con las ideas dominantes de la clase de "arte" de la fotografía convencional de su época. Su obra surgió de la belleza de las ideas más que las ideas de la belleza. Ralph amaba la literatura (en especial la poesía) y la filosofía (especialmente Zen) y esto según él le ayudó a estimular su imaginación. Mientras que otros fotógrafos recorrían las calles en busca de la América profunda y la verdad, Meatyard estaba obsesionado con el mundo de la experiencia interior, y continuamente planteaba preguntas nunca resueltas sobre nuestra realidad emocional a través de sus tomas. Él se volvió a mirar reflexivamente en los sueños y los terrores de las cuestiones metafísicas, y ésto lo demostraba con sus inquietantes fotografías.

• Trabajos/exposiciones: expuso con fotógrafos conocidos y diversos como Edward Weston, Ansel Adams, Minor White, Aaron Siskind, Harry Callahan, Robert Frank, o Eikoh Hosoe. Pero en la década de los 70's, sus fotografías parecen relegados a aparecer principalmente en las exposiciones del arte "sureño". En la última década, la comprensión de sus obras sin embargo toma fuerza, gracias en parte a los críticos europeos (que por lo menos desde la época de Tocqueville se han forjado en la cultura americana), así qué como digo, ha comenzado a ser comprendido y apreciado verdaderamente. En un sentido Meatyard sufrió un destino común para los artistas que están muy, pero muy de lejos por delante de su tiempo. Todo sobre su vida y su arte va en contra de lo habitual y en contra de los patrones esperados por una sociedad borrega y apocada.

• Frase: “Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras –pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador –pero en realidad, soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.

El hombre Invisible (fragmento)

2010-01-12T19:57:00.005Z

"Uno experimenta la dolorosa necesidad de convencerse a sí mismo de que existe, de veras, en el mundo real; de que uno participa en el eco y la angustia de todos, y uno crispa los puños, ataca, maldice y blasfema para obligar a los demás a que reconozcan su existencia. Sin embargo rara vez lo logra.
(...)
¿Qué dirían de nosotros los historiadores, los seres que pasan sin dejar huella? ¿De los seres tales como yo mismo antes de entrar en la hermandad, de esas aves de paso demasiado humildes para ser clasificadas por los sabios, demasiado silenciosos para que los más sensibles oídos perciban su sonido, con personalidad demasiado ambigua para que las más ambiguas palabras las expresen y situados demasiado lejos de los centros de las decisiones históricas para que puedan firmar los documentos de la historia, o siquiera aplaudir a quienes los firman?
(...)
Entretanto, gozo de la vida, merced a la amabilidad de la Monopolated Light and Power. Como sea que nadie puede verme, ni siquiera teniéndome a corta distancia, y como sea que dificilmente habrá alguien que crea en mi existencia, carece de importancia que todos sepáis que hice un empalme en una línea de conducción eléctrica del edificio, y lo llevé hasta mi hoyo en el sótano. Antes, vivía en aquella oscuridad en la que tuve que buscar refugio, pero ahora tengo luz y veo. He iluminado las tinieblas de mi invisibilidad, y la invisibilidad de mis tinieblas. Y de este modo interpreto la invisible melodía del aislamiento. Esta última afirmación no parece muy ajustada, ¿verdad? Sin embargo lo es; uno oye esta música debido, sencillamente, a que la música se oye, y no se ve, salvo en el caso de los músicos. Pero, ¿acaso esta necesidad de traducir la invisibilidad en letras negras sobre papel blanco no representa un ansia de componer una música de la invisibilidad? Soy un charlatán, un lioso. ¿De veras, creen que lo soy? Lo era, y quizá vuelva a serlo, no es posible predecirlo. No toda enfermedad significa la muerte, ni tampoco toda invisibilidad."

Extraído de: "The Invisible Man" (1952), Ralph Ellison.